a cura di PIETRO BAZZOLI

in collaborazione con Associazione Culturale ARTEAM

con la supervisione di MATTEO GALBIATI

7 marzo – 14 aprile 2019

inaugurazione giovedì 7 marzo 2019 ore 18.30

COMUNICATO STAMPA

A partire dal 7 marzo 2019, SPECCHIO41 di Brescia ospita la personale di Ilaria Gasparroni (1989) che, intitolata La Forma del Tempo, è a cura di Pietro Bazzoli ed è realizzata in collaborazione con l’Associazione Culturale Arteam di Albissola Marina (SV) e con la supervisione di Matteo Galbiati.
L’esposizione presenta una decina di sculture che ripercorrono la ricerca dall’artista abruzzese partendo dagli anni accademici per arrivare all’ultimo ciclo di opere.

“Siamo felici di poter ospitare un’artista come Ilaria Gasparroni nel nostro studio – hanno dichiarato Manuel Gardina e Zen.Zero, titolari di SPECCHIO41 – È giovane, talentuosa e con cui può nascere un dialogo profondo tra quanto esprime la poetica dei suoi lavori e la filosofia dello spazio stesso. Questa prima collaborazione segue proprio quell’orientamento di scambio e confronto con cui vogliamo identificare il nostro spazio.”

Ilaria Gasparroni, “Sulle spine”, 2017/18

LA MOSTRA

I lavori di Ilaria Gasparroni prendono vita da una profonda riflessione sul tempo, vissuto come un elemento fluido catturato nel marmo. È proprio quest’ultimo, infatti, il medium utilizzato per fissare particolari, dettagli e sfaccettature che interessano l’artista.
Sin dalle prime opere, che hanno visto la luce in un contesto prettamente accademico, il marmo è eletto a strumento perfetto per imprimere in maniera indelebile in un dettaglio di attenta osservazione anatomica un racconto che si pronuncia attraverso la materia. Ecco che il marmo si fa carne, assumendo sfumature che si caricano di forma e intensità, di delicatezza e leggerezza estreme, con le quali, oltre alla “lotta” per plasmare la materia in forma nuova, si stabilisce una viva sintesi estetica, resa ancor più penetrante dall’attenzione ai particolari e dal peculiare approccio poetico proprio dell’artista.
Ilaria Gasparroni si muove tra un classicismo di michelangiolesca evocazione e una sensibilità individuale e connotante, tale da riattualizzare in modo consapevole aspetti ormai lungamente canonizzati e al contempo di intonarne una nuova contemporaneità. La bellezza traspare immediatamente dalle sue opere: gli studi sulle forme, sull’anatomia nella sua completezza, nella citazione dell’oggetto o del sentimento, vivono negli “spaccati” delle sue culture, portandole oltre il tempo e la storia.
Il tema dell’interezza diventa subalterno a quello del particolare “interessante” o “degno di nota”; il soggetto, a questo punto, accentua la propria connotazione e viene percepito come maggiormente denso di significati per la più forte concentrazione di senso, dettata da una sua sola parte. Sono proprio questi significati, legati a filo doppio alla profonda riflessione sul tempo e il suo trascorrere, a pervadere costantemente le opere di Gasparroni.
Una mano, un orecchio, un volto, un paio di labbra rivestono per l’artista un ruolo fondamentale: “rubati” al loro possessore, sono restituiti con il marmo in una forma che ne conserverà in modo indelebile la presente – e passata – bellezza.
Si giunge così agli ultimi lavori, nuova fonte di stimoli, dove, alla figura parcellizzata dell’essere umano, subentra un altro elemento: la carta. Questa volta il marmo si fa carta, attraverso un processo che intende sottolinare l’importanza di elementi semplici, seppure lungamente ignorati. Lavorando la pietra sino a renderla sottile come un foglio, Gasparroni riqualifica, nel loro insieme, gli aspetti scontati, ignorati di memorie trasmesse in un oggetto inanimato, pur carico di tensione mnemonica con le sue pieghe, cicatrici, che riconducono a ricordi, storie, messaggi,… e quindi alla vita. Un oggetto semplice che possiede, dunque, un vissuto ampio e sempre nuovamente possibile.
Quel foglio di carta comune, abbandonato ai piedi di una scrivania posta in una stanza immaginaria, è raccolto dall’artista che, in tal modo, lo salva dall’oblio e lo rende, trascritto nel marmo, ricordo e segno tangibile di uno spazio sospeso tra presente, passato e futuro.

Ilaria Gasparroni, “Possesso e protezione”, 2017

BIOGRAFIA

Nasce a Sant’Omero (TE) nel 1989.
Inizia la sua formazione artistica presso l’Accademia di Belle Arti di Urbino (PU) in Tecniche del Marmo e delle Pietre Dure dal 2009 al 2014, laureandosi col massimo dei voti. Vive e lavora ad Alba Adriatica (TE) dove ha un laboratorio/studio di scultura e attualmente collabora con diversi privati e con un’azienda di lavorazione dei marmi e delle pietre presso Ascoli Piceno (AP).
Il lavoro di questa artista si articola attraverso un’ampia gamma di linguaggi che hanno come ispirazione la letteratura, la filosofia, la natura e la geometria.
L’uomo e il suo quotidiano sono motivi di particolare attenzione dai quali l’artista trae spunto per affrontare le diverse tematiche che toccano la storia presente come quella passata, mettendo così in relazione individui, luoghi e narrazioni.

ILARIA GASPARRONI. LA FORMA DEL TEMPO
a cura di PIETRO BAZZOLI

in collaborazione con Associazione Culturale ARTEAM

con la supervisione di MATTEO GALBIATI

7 marzo – 14 aprile 2019
Inaugurazione: giovedì 7 marzo 2019 ore 18.30

SPECCHIO41
via Elia Capriolo 41A, Brescia

aperture su appuntamento

Info:
+39 3314178275
41specchio@gmail.com

Per The Others (1- 4 novembre 2018), il magazine Espoarte, edito dall’Associazione Culturale Arteam, presenta nella Stanza 21 – Corridoio Rosa, al primo piano, il progetto NATURA.0, piccola parte di un’ampia ricognizione che è stata sviluppata negli ultimi due numeri della rivista, Espoarte 102 e Espoarte 103 (il numero attualmente in distribuzione) sugli artisti la cui ricerca indaga il rapporto Arte / Natura, ai tempi dell’Antropocene (ovvero l’attuale epoca storica-geologica nella quale le cause principali delle modifiche strutturali, climatiche ed ambientali del pianeta Terra sono da attribuire alla presenza dell’uomo e delle sue attività): oltre quaranta artisti italiani, per lo più nati tra la seconda metà degli Anni ’70 e metà ’80, senza retorica e al di là delle mode del momento, rispecchiano un’emergenza espressiva che parte da un dato biografico (tanti gli artisti che hanno legato l’infanzia ad un originario rapporto con la natura) per aprirsi, poi, al mondo tramite l’arte.
Per The Others sono state selezionate due artiste la cui ricerca parte da questi presupposti: Alice Padovani e Annalisa Di Meo.
Per Alice Padovani (Modena, 1979) la natura rappresenta il regno della molteplicità, del sensibile e della contraddizione in quanto in grado di suscitare sentimenti di gioia e disperazione, di dolore e di piacere. È vita e morte che si rincorrono in modo perpetuo, è mistero con le sue infinite combinazioni che provocano smarrimento, è caos meravigliosamente organizzato che disorienta e commuove quanto guardare verso le profondità dell’universo.
Ma per la Padovani la Natura è, soprattutto, una frequentazione quotidiana, un’entità oggetto di una “riclassificazione” che, tralasciando l’aspetto scientifico, segue il filo dell’emotività e dà vita ad assemblaggi, installazioni e momenti performativi, che conferiscono all’artista la sensazione transitoria di poter controllare una piccola porzione di tempo e di vita.
In occasione di The Others verrà presentata l’installazione Solid, composta da elementi vegetali e animali sospesi in un attimo eterno, trattenuti e sigillati nel tentativo di instaurare un equilibrio tra l’effimero del corpo organico e la solidità della forma inorganica: nature morte in cui fragilità e solidità giocano con la loro stessa materia e dove il tempo sembra aver perduto il suo diritto di corruzione.
Annalisa Di Meo (Brescia, 1977) presenta, attraverso trame delicate e nodose di pagine fogliari, il volto di una Natura che si manifesta nella sua incompiutezza, che richiede allo spettatore una certa maturità nel cogliere la realtà che l’artista, con il suo intervento, ha contribuito a sottrarre. Foglie che vengono presentate come pagine di un libro in divenire, dove sono raccolti con rigorosa perizia dettagli, a prima vista marginali, forme della natura che vengono recuperate in chiave metaforica, per suggerire la poesia insita nelle cose apparentemente più semplici e ordinarie. Per Natura.0 sono state selezionate alcune opere della serie “Di spago | foglie”.

ESPOARTE | ASS. CULT ARTEAM
presentano
NATURA.0: Annalisa Di Meo e Alice Padovani

The Others

1-4 novembre 2018

Ex Ospedale Maria Adelaide
Lungo Dora Firenze 87, Torino

Stanza 21 – Corridoio Rosa – I piano

Orari: 1 Novembre | 20.00 – 00.30 | Opening party
2-3 Novembre | 17.00 – 00.30 | The Others show
4 Novembre | 11.00 – 20.00 | The Others show

Info: www.theothersfair.com
www.espoarte.net
www.arteam.eu

La mappa della Design Week milanese si arricchisce quest’anno di un “nuovo” quartiere: Romana Design District®.
Un tempo fra le più popolari della città, oggi la zona che da Piazzale Lodi giunge a poche centinaia di metri dal Duomo è fra le più dinamiche dal punto di vista creativo, scelta anche da vip e intellettuali come meta residenziale, professionale o di svago.

Animato da un vivace fermento culturale e imprenditoriale, Romana Design District® vuole quindi diventare un nuovo punto di riferimento nel grande contenitore del Fuorisalone per quanto concerne il design, la creatività e l’arte.
Un distretto ricco di contenuti e proposte, con radici profonde nella storia, ma proiettato verso l’innovazione.
Non a caso agli inizi del Novecento da Porta Romana partì quel fervore industriale e operoso che ha portato Milano a essere ciò che è oggi, quella spinta verso la modernità celebrata da Umberto Boccioni che in via Adige aveva il proprio studio.

Insieme al Design, infatti, l’Arte sarà l’altra grande protagonista di Romana Design District® grazie alla collaborazione con l’Associazione Culturale Arteam (www.arteam.eu) che realizzerà un vero e proprio museo diffuso nelle location del circuito coinvolgendo giovani e talentuosi artisti selezionati fra i finalisti dell’Arteam Cup 2017.

Romana Design District® è dunque un progetto di valorizzazione territoriale e culturale dedicato al mondo del design in tutte le sue sfaccettature e declinazioni e che coinvolgerà il tessuto urbano che si sviluppa attorno a Corso di Porta Romana e Corso Lodi.

Il lungo boulevard – assunto ormai a simbolo della città per milanesi e turisti – sarà dunque l’asse portante attorno al quale si svilupperanno eventi e iniziative legati al mondo del design e dell’arte: una vera e propria “yellow line” della creatività che corre parallela al percorso della linea 3 della metropolitana meneghina e la rievoca anche nella scelta del colore “giallo Milano” per il logo.

Romana Design District®
Milano | 7 – 22 aprile 2018
www.romanadesigndistrict.it
#romanadesigndistrict

In collaborazione con: Associazione Culturale Arteam
Media Partner: Espoarte
Ufficio stampa: MCS & Partners | tel. 02 66985471 | press@mcsweb.it

In che modo e da che cosa trovi ispirazione per realizzare le tue opere?
A volte trascorro molto tempo a pensare a quale soggetto rappresentare, senza mai giungere ad una conclusione. Poi capita qualcosa nella giornata, qualcosa che accade, un’immagine che mi si svela. Ed è questo accadere che è al di fuori di me, che non avevo previsto, che è in grado di aprire nella mia mente nuove possibilità di espressione, nuove immagini e nuove strade da percorrere. Penso che sia solo dall’incontro con la realtà che possa nascere la vera arte.

Quali sono i generi e i modi espressivi che prediligi?
All’Accademia di Brera ho sperimentato la pittura, ma è qualche anno dopo che ho avvertito l’urgenza di esplorare nuovi materiali e linguaggi. Ho iniziato ad utilizzare il ferro, il cemento e ad integrare nelle opere oggetti di uso comune, una bilancia, dei giornali. Ho sempre amato il disegno, l’idea che un mio segno potesse creare una forma mi ha affascinato fin dagli anni del Liceo. Lavorare con il ferro oggi per me è un po’ come disegnare nelle tre dimensioni. In un’epoca in cui i concetti di reale e virtuale tendono a sovrapporsi mi piace l’idea di poter dare vita ad un oggetto con una propria fisicità, che s’imponesse, a volte con una certa violenza, nello spazio.

Qual è il messaggio che vuoi trasmettere al pubblico tramite le tue opere?
Non voglio trasmettere un messaggio. Non in senso letterale almeno. Vorrei che attraverso le mie opere si ridestasse uno sguardo di stupore nei confronti di ciò che ci circonda, che la quotidianità vibrasse di una tensione drammatica e irriducibile. Desidero che i miei corvi, i miei lupi o i miei fiori possano esprimere la vita e rinnovare il nostro modo di guardare le cose.

Come ti poni nei confronti dell’arte del passato e ci sono artisti che hanno ispirato la tua produzione artistica?
Penso che, nonostante l’arte del passato abbia sempre avuto un qualche tipo di limitazione, essa sia, comunque, sempre riuscita ad andare oltre al proprio tempo, ad affermare una realtà altra rispetto a ciò che stava rappresentando. L’artista che più tra tutti ha aperto in me un nuovo modo di guardare le cose è stato Robert Rauschenberg per la sua capacità di far rivivere qualunque oggetto o immagine all’interno dell’opera. L’artista per il quale oggi ho più stima è Anselm Kiefer, per la forza con la quale riesce ad instaurare un rapporto tra spettatore e opera d’arte, senza mai giocare su un’emotività fine a se stessa. Mi piace la tensione nei corpi Michelangioleschi e quel carattere di eternità che promana dagli spazi e dai corpi dipinti da Giotto.
Inoltre, sono molto affascinato da quell’irruenza e invadenza tipica del Barocco. Trovo che, a discapito di un giudizio abbastanza diffuso che ritiene l’arte barocca come qualche cosa di eccessivo e pacchiano, le sue forme riescano a creare una relazione vitale con lo spazio che anticipa di molto il concetto di installazione.

Cosa pensi del sistema dell’arte contemporanea del nostro Paese e in che modo ritieni che un artista possa emergere?
Trovo la situazione attuale molto interessante per il fatto che si sia come giunti ad una sorta di “grado 0” nell’arte. Non esistono limitazioni di alcun tipo; di soggetto, di tecnica o di materiali. Chiunque può oggi ambire ad essere un artista, non devi essere passato da una bottega come avveniva nel Medioevo o nel Rinascimento. Non c’è più nessuno che si scandalizza per il fatto che tu non possieda una particolare abilità tecnica. E non c’è neanche quasi più nulla da dissacrare. È quell’annientamento del valore dell’immagine profetizzato da Warhol! Trovo che tutto ciò sia interessante perché l’attenzione viene posta non tanto sul “come” ma sul “cosa” passa dalla tua opera. A cosa questa è in grado di rimandare e quali orizzonti di senso apre una determinata opera nella vita delle persone.
Per me, infine, è difficile dare una risposta su come oggi un artista possa emergere. I meccanismi che regolano il mondo dell’arte non hanno mai avuto a che fare esclusivamente con il lato puramente artistico o poetico, ma anche con questioni legate al mercato ed alla comunicazione. Penso, tuttavia, che per emergere sia necessario uscire da quella dimensione di mero “artigianato” che per tanto tempo ha caratterizzato la storia dell’arte italiana ed europea e che sia necessario aprirsi ad un nuovo modo di fare arte, che tenga conto dei mezzi e delle possibilità offerte dal mondo in cui viviamo. Non credo, comunque, che nel futuro le nuove generazioni studieranno gli artisti come noi abbiamo studiato Michelangelo o Van Gogh, attraverso lunghe ed approfondite monografie; penso che degli artisti d’oggi verranno studiati al massimo una manciata di opere, come una sorta di democratizzazione dell’arte.

A cosa stai lavorando ora e quali sono i tuoi progetti futuri?
Sto approfondendo il lavoro sui lupi iniziato ormai 2 anni fa. Sto cercando di rendere dei corpi sempre più fluidi ed omogenei, sempre meno frammentati, quasi un’antitesi rispetto alla tecnica che utilizzo. E sto anche cercando di farli interagire con sempre maggior organicità con l’ambiente e con gli oggetti che li circondano. Sto lavorando ad un livello che ha più il carattere dell’installazione, che della scultura.
Il lavoro sui corvi e sui fiori procede con sempre maggior consapevolezza. I corvi vivono come forme autonome nello spazio e sono sempre meno illustrativi. I fiori mi sembra che abbiano assunto una forza comunicativa che era quel che da un po’ di tempo cercavo. Sono anche da un po’ di tempo tornato alla pittura, su tele di grande formato. Sto dipingendo figure di lupi in lotta tra loro, ma come bloccate in un istante in cui i corpi vengono come pietrificati. Sono opere che tentano di esprime il contrasto tra l’effimero e l’eterno, tra una realtà che vive dell’istante ed il suo desiderio di eternità, che poi è l’uomo…

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In che modo e da che cosa trovi ispirazione per realizzare le tue opere?
È l’incontro degli stimoli che ricevo dal mondo esterno con il mio vissuto che mi fa avventurare tra le pieghe del quotidiano, ma spesso sono attratto da un materiale per via di una certa sua peculiarità, ed è il materiale stesso che sceglie nel grande mare di immagini che ho dentro.

Quali sono i generi e i modi espressivi che prediligi?
Lavoro esclusivamente con la scultura e uso molti materiali diversi. Ognuno mi comunica una sensazione particolare, ognuno mi dà modo di raggiungere un particolare risultato impensabile con un materiale diverso. Amo i materiali collegati alla tradizione, come la terracotta ed il legno, ma certe idee non possono che prendere vita con materiali che fanno parte del nostro mondo industrializzato, come il silicone o la resina.

Qual è il messaggio che vuoi trasmettere al pubblico tramite le tue opere?
Il mio desiderio è di far vedere il mondo con degli occhiali nuovi, far fermare almeno per un attimo chi sta guardando per dirgli: “Questo è quello che hai sempre avuto davanti, ma non hai mai visto veramente”.

Come ti poni nei confronti dell’arte del passato e ci sono artisti che hanno ispirato la tua produzione artistica?
Sono attratto da tutti quegli artisti che con il loro lavoro vogliono, diciamo, ‘dare un ordine’ alla nostra quotidianità, seppure in modo completamente diverso da me, ed è curioso come un artista, anche molto distante dal mio modo di lavorare, possa comunque illuminare il mio percorso.

Cosa pensi del sistema dell’arte contemporanea del nostro Paese e in che modo ritieni che un artista possa emergere?
‘Sistema’ è la parola corretta, e come in ogni sistema ci sono delle regole, ad esempio che la possibilità di farsi notare è inversamente proporzionale all’età anagrafica. Il fatto di emergere è direttamente connesso con la visibilità che è necessario procurarsi, in un modo o nell’altro, e poiché il proprio lavoro non può piacere a tutti, come è giusto, va da sé che ci sono maggiori possibilità se piace a chi – gallerista, critico, ecc. – ha una reputazione consolidata nel mondo dell’arte. Detto questo, ogni artista non può che dare vita a quello che ha dentro, ogni altra soluzione verrebbe, prima o poi, smascherata.

A cosa stai lavorando ora e quali sono i tuoi progetti futuri?
Attualmente sto utilizzando la ceramica e per il futuro ho intenzione di proporre il mio lavoro all’estero.

In che modo e da che cosa trovi ispirazione per realizzare le tue opere?
Traggo ispirazione dalla quotidianità, ciò che mi colpisce maggiormente sono gli aspetti meno comprensibili della società. Cerco di analizzare gli accadimenti incoerenti del mondo attuale limitando i soggetti essenzialmente a figure umane, oggetti e paesaggi, grosso modo in quest’ordine d’importanza.

Quali sono i generi e i modi espressivi che prediligi?
Sono attratto dai cliché che diventano materiale da rappresentare e riconfigurare, cerco di avvicinarmi ad immagini sempre più grafiche, riconducibili al mondo dell’illustrazione, ai libretti d’istruzione del bricolage, a quel tipo di arte che si tende a collegare all’universo pop.

Qual è il messaggio che vuoi trasmettere al pubblico tramite le tue opere?
Vorrei che il fruitore di una mia opera percepisse che i cliché rappresentati sono solo lo strumento visivo per arrivare ai veri soggetti dei miei quadri. È la ricerca di un modo efficace per rappresentare gli istinti più immediati rivelandoli sempre come emozioni altamente codificate dal punto di vista sociale, controllate.

Come ti poni nei confronti dell’arte del passato e ci sono artisti che hanno ispirato la tua produzione artistica?
I grandi artisti del passato sono per me oggetto di studio costante anche con visite nei musei che ospitano le loro mostre. I Maestri che mi hanno ispirato sono molti, cito solo i principali per i quali nutro una passione particolare: Renato Mambor, Sergio Lombardo, Tano Festa, Franco Angeli, Michael Craig Martin, Patrick Caulfield e Josef Albers.

Cosa pensi del sistema dell’arte contemporanea del nostro Paese e in che modo ritieni che un artista possa emergere?
Se per sistema s’intende un insieme di componenti istituzionali, imprenditoriali e culturali che dovrebbero concorrere allo sviluppo artistico, trovo che nel nostro Paese non sia presente un vero e proprio sistema dell’arte contemporanea. In queste condizioni per un artista emergere è decisamente complicato, esistono, tuttavia, alcune realtà isolate in tutti e tre i settori – istituzionale, imprenditoriale e culturale – che fanno un grande lavoro per cercare di mantenere viva la scena artistica italiana. La difficoltà per un artista è venire a conoscenza di queste realtà imparando a riconoscerle tra le tante che, invece, operano in maniera tutt’altro che professionale.

A cosa stai lavorando ora e quali sono i tuoi progetti futuri?
Attualmente sto lavorando ad un ciclo di dipinti a tema sportivo nei quali sto cercando di rendere ancora più accesi i contrasti di colore consentendo un’azione maggiormente efficace al lavoro. Sto esponendo un’installazione allo Spazio Gerra di Reggio Emilia nell’ambito della mostra “Officine Reggiane. Archivio Storico. Capitolo 2”. Per il futuro ho in programma una personale in centro a Parma per la metà di gennaio con una selezione di dipinti, carte e disegni facenti parte dei tre cicli di opere che ho realizzato negli ultimi anni.

In che modo e da che cosa trovi ispirazione per realizzare le tue opere?
Credo che, in sintesi, sia possibile individuare tre tipologie di approcci. Il primo – forse quello in un certo senso più libero, più d’istinto – è quello che mi piace definire compositivo: l’incipit è la definizione di tracce che scandiscono gli spazi come confini territoriali, come appigli strutturali, come linee di forza. Il secondo è quello invece ancorato ad un elemento con forte prevalenza, le cui origini sono le più disparate: un oggetto visto, un dettaglio, una macchia di colore, un frammento ritrovato, una forma… Per anni, ad esempio, mi ha fatto compagnia l’immagine di tre archi in sequenza, fin quando è poi diventato “I guardiani delle tre porte del paradiso”. Il terzo spunto, infine, è quello di lavorare su un tema. Appartengono a questa categoria, ad esempio, la serie “Gli indignati” o il progetto “La Storia dipinta”. Sta nelle cose, ovviamente, che ispirazioni e modalità ogni tanto si mescolino.

Quali sono i generi e i modi espressivi che prediligi?
La debolezza dei codici espressivi nei linguaggi artistici ci offre grandi possibilità espressive ed interpretative. Pertanto, trovo grande interesse nella contaminazione, nell’ibridare il linguaggio. Le geometrie, il colore, le sollecitazioni polimateriche, l’arte povera, l’universo organico. Da qualche tempo mi ritrovo più spesso vicino all’uso espressionista del colore, prevalentemente astratto. E sento un grande fascino verso i frammenti materici. In ogni caso, mi sento forse più vicino ad un’idea di arte moderna più che contemporanea.

Qual è il messaggio che vuoi trasmettere al pubblico tramite le tue opere?
Fin dall’inizio ho sempre pensato i miei lavori come creature, finestre/frammenti di universi fluidi, popolati da altrettante creature. La soddisfazione maggiore era quella di assistere ai “viaggi interpretativi”, a volte un po’ visionari, di chi osservava le opere. Viaggi alla ricerca di allusioni, di rimandi… Col tempo le dinamiche si sono fatte sempre più complesse e si sono diversificate. Ma l’idea/speranza che una mia opera possa essere lo spunto per “un viaggio”, continua ad essere prioritaria. In altri casi, quando i messaggi vogliono essere più espliciti, è la parola che integra e/o fa da tramite: parole riportate, parole graffiate all’interno dei quadri. Oppure testi paralleli, ad accompagnare l’opera. Oppure soltanto un titolo.

Come ti poni nei confronti dell’arte del passato e ci sono artisti che hanno ispirato la tua produzione artistica?
Figlio. Mi sento figlio dell’arte del passato. Devo dire che non ho mai sentito la necessità di “inventare”, a tutti i costi. La necessità di “uccidere il padre”… Certo, il passato è fortemente diacronico, ma è anche complesso e diversificato, pertanto c’è bisogno di distinguere, parcellizzare. In particolare: non so quanti hanno ispirato la mia produzione artistica, sicuramente tanti. So un po’ meglio, invece, quanti hanno ispirato me. In ordine sparso: Luigi Russolo e i futuristi in genere, Hans Harp, Graham Sutherland, Hieronymus Bosch, il critico Pierre Restany, James Ensor, Mario Merz. Dal lungo ulteriore elenco non posso trascurare Samuel Beckett, Giosetta Fioroni e l’amico Giovanni Levanti.

Cosa pensi del sistema dell’arte contemporanea del nostro Paese e in che modo ritieni che un artista possa emergere?
Il sistema dell’arte contemporanea risulta, a mio parere, maledettamente spiazzante e, al contempo, maledettamente intrigante. Un continuo guardarsi intorno.
Per emergere? Rischio di dire solo cose banali e scontate.
Pertanto preferisco fantasticare di un artista che raggiunge un meritato successo per la realizzazione di un’opera che riesce a contrastare una malattia incurabile…
O di un’opera dispensatrice di felicità.

A cosa stai lavorando ora e quali sono i tuoi progetti futuri?
a. “La Storia Dipinta – ma chi l’ha detto che le date sono solo numeri!”, mette la Storia al centro dell’opera d’arte, l’esposizione diventa quindi un esercizio di memoria collettiva. Le date sono lo spunto, e nel contempo accompagnano, ogni singola opera. In particolare si tratta sempre di date in cui “la collettività” ha preso decisioni nette su fatti, accadimenti. A volte segnando tappe di civiltà, altre volte legittimando involuzioni, scandali. 3 maggio 2005: assoluzioni definitive per le stragi di Piazza Fontana; 16 ottobre 1946: condanna per i criminali nazisti al tribunale di Norimberga. E poi la sentenza emessa dalla corte di Giustizia Europea per la concessione di asilo politico per gli omosessuali; la firma degli accordi di Oslo sulla questione palestinese; l’assoluzione per Erri De Luca dall’accusa di istigazione al sabotaggio…
Altre date, invece, preferiscono segnare vissuti di personaggi quali Alda Merini, Dario Fo, il comandante partigiano Giovanni Pesce…
Una prima esposizione della Storia Dipinta ha avuto luogo presso l’Ex-Fornace di Milano nel giugno del 2016. In preparazione 2 mostre in Sicilia tra luglio ed agosto del prossimo anno.
b. “Migranza, Accoglienza, Incontro tra Culture” è un progetto collettivo itinerante del Gruppo Artistico Oltre La Porta, all’interno delle attività dell’Associazione Art Marginem di Milano. L’ultima esposizione, il mese scorso all’interno delle manifestazioni del BookCity-Milano. Gli artisti propongono le loro personali riflessioni sulle tematiche delle Migrazioni.
Flussi migratori, barriere, accoglienza. Integrazioni e contaminazioni culturali.
In vendita piccole opere realizzate dagli artisti per finanziare il progetto di un Centro di Accoglienza per rifugiati politici.
c. Un progetto in collaborazione con la scrittrice Giada Brocato, a partire dal suo racconto “Le Piccole Cose c’entrano con la Vita”. Parole, brandelli di frasi. A contaminare immagini. Forme, colori. A contaminare…

In che modo e da che cosa trovi ispirazione per realizzare le tue opere?
Trovo ispirazione per le mie opere indistintamente in un’immagine, in un viaggio, in un incontro, in una parola o in un titolo. Nella realtà o nelle mie letture notturne. Non c’è un momento più o meno propizio per l’ispirazione, per questo porto sempre con me una vecchia agenda nella quale appunto tutto attraverso bozzetti e descrizioni. Per me è essenziale congelare ogni più piccolo dettaglio della suggestione, perché anche se spesso queste suggestioni si trasformano subito in progetti, opere, installazioni o video, altre volte accade che possano passare degli anni prima che la suggestione si trasformi in un progetto concreto.

Quali sono i generi e i modi espressivi che prediligi?
Ogni opera nasce nella forma che le è più congeniale, non ho un genere o un modo espressivo preferito. Tutte le opere sviluppano il rapporto opera – spazio – osservatore in modo diverso: da una modalità più intima dell’opera su carta e organza, alla più classica e tipica modalità dell’opera tridimensionale a parete, infine alla modalità più coinvolgente dal punto di vista dello spettatore della videoinstallazione ed installazione. Tutte, comunque, accomunate dal velo d’organza, dalla trasparenza, dalla sovrapposizione reale o virtuale/digitale attraverso la quale immagini e figure instaurano un dialogo con ciò che si trova oltre il velo stesso.

Qual è il messaggio che vuoi trasmettere al pubblico tramite le tue opere?
I messaggi che voglio trasmettere variano al variare dei progetti: ciò che più mi preme è come l’osservatore si approccia all’opera e all’interpretazione del messaggio contenuto, il tempo che vi dedica e quanto decide di calarsi nella profondità delle varie stratificazioni materiali e simboliche dell’opera. Il mio lavoro permette una molteplice stratificazione di materiali e di interpretazioni, ogni percorso interpretativo finisce per supporne un altro, così che non possa mai dirsi completamente esaurita la lettura. Il senso dell’opera d’arte è nella stratificazione di trasparenze. La sequenza dei piani impone un movimento allo spettatore che, di conseguenza, porta ad una costante variazione della configurazione dell’opera. Il movimento dell’osservatore verso l’opera implica l’inevitabile legame tra l’opera ed il contesto in cui o per cui è realizzata o inserita.

Come ti poni nei confronti dell’arte del passato e ci sono artisti che hanno ispirato la tua produzione artistica?
L’esperienza di confronto con l’arte è avvenuta fin da molto piccola con la mia famiglia. Dal Rinascimento fiorentino ho ereditato l’amore: per le proporzioni, la figura umana, la maestosità della presenza, la spazialità, i significati ed i simboli. Grande importanza ha avuto per me negli anni successivi lo studio di artisti come Brancusi, Duchamp, Oppenheim, Beuys, Bourgeois, Manzoni, Fontana, Kahlo, Lai, Paolini, Hesse, Pane… Artisti dai quali ho capito che il gioco è importante quanto la coerenza. Perché la coerenza dell’artista è prima di tutto dentro se stesso, nella sua vita, nel suo percorso e di conseguenza in ogni sua opera, ma al tempo stesso occorre sapersi mettere in gioco, ho capito che i limiti si superano, ma occorre sapersi fermare.

Cosa pensi del sistema dell’arte contemporanea del nostro Paese e in che modo ritieni che un artista possa emergere?
Possediamo un patrimonio storico artistico immenso; grandi e importanti realtà per quanto riguarda il contemporaneo, ma occorre fare di più per tutelare, sostenere e promuovere la ricerca e la sperimentazione, perché c’è voglia di conoscere, di capire, di vedere con nuovi occhi, nelle grandi città come nei centri più piccoli. Tutto ciò è possibile solo attraverso l’arte. Con ciò voglio sottolineare l’importanza che avrebbe costruire più sinergie tra antico e contemporaneo e tra le arti in generale e i vari ambiti della ricerca anche quelli non prettamente “artistici”. L’unico strumento in mano all’artista per emergere in questa situazione è la sua stessa opera, costruire connessioni attraverso essa. Occorre condividere, occorre – fare rete – parola talmente usata negli ultimi anni da sembrare usurata, ma nonostante tutto questa resta la parola che più di ogni altra rappresenta la possibile soluzione.

A cosa stai lavorando ora e quali sono i tuoi progetti futuri?
Ho appena iniziato una nuova collaborazione con Giulia Ponziani di Studio 38 Contemporary Art Gallery di Pistoia. Dal 2 al 4 febbraio parteciperemo a SetUp Art Fair, nella nuova sede di Palazzo Pallavicini a Bologna, dove presenterò un’opera installativa inedita “Tesi – tra le attese” che sarà ulteriormente sviluppata nella mostra personale in galleria a Pistoia dal 31 marzo al 28 aprile. Sempre a febbraio con il collettivo Arts Factory di cui faccio parte, presenteremo un nuovo progetto multidisciplinare, nell’ambito di un’importante manifestazione letteraria nazionale. Dal 17 al 31 marzo parteciperò con una videoinstallazione alla seconda edizione di “Other Identity”, che si svolgerà in varie sedi a Genova, un progetto ideato e a cura di Francesco Arena. Nel 2018 proseguirò anche il mio percorso di residenze artistiche con una nuova esperienza. All’interno di Arteam Cup 2017 mi è stato assegnato infatti il Premio speciale residenza SUGAR IN ART sug@R(T)_house – Figli di Pinin Pero. Si tratta di una residenza di 7 giorni, volta all’ideazione di una installazione che veda protagonista uno dei prodotti dell’azienda. La mia concentrazione e le mie sperimentazioni si rivolgeranno sull’elemento base: lo zucchero.

www.federicagonnelli.it

In che modo e da che cosa trovi ispirazione per realizzare le tue opere?
Da un articolo su un giornale, da una conversazione. Dal telegiornale. Da un tizio incrociato per strada che mi chiede se ho una cartina. Dal racconto di un amico sulle sue pene esistenziali. Da una nuova scoperta scientifica. Da una passeggiata tra le sale del Museum der bildenden Künste a Lipsia. Da una passeggiata sulla calotta di ghiaccio del Golfo di Botnia, spazzata dal vento e dalla neve. Da una giornata passata sfogliando vecchie foto di famiglia. Entro in studio, accendo il computer e lascio che il mondo entri dentro la stanza. Lascio che le opere, quelle che ancora non esistono, emergano dalla foschia.

Quali sono i generi e i modi espressivi che prediligi?
Verrebbe naturale rispondere “la fotografia”, ma non è così. Quello su cui ho lavorato fino ad oggi è solo la parte emersa di un iceberg. Per senso di disciplina mi impongo di continuare l’indagine su questo mezzo fino alle sue estreme conseguenze. Quello che non è stato ancora mostrato, ciò che si muove sul fondo e che sto sperimentando e imparando in privato, porta a nuove e più vaste implicazioni. Il problema non è la fotografia piuttosto che un altro linguaggio. Quello che mi interessa si trova nel liquido amniotico delle macchine per la documentazione, di qualsiasi tipo esse siano, e dei segni che questi nuovi occhi stanno lasciando sull’immaginario comune o privato di ognuno.

Qual è il messaggio che vuoi trasmettere al pubblico tramite le tue opere?
Non credo di cercare messaggi particolari o definitivi. Piuttosto, ho l’ambizione di costruire macchine della visione, esperienze “Estetiche” in senso propriamente filosofico. Ovvero, esperienze che conducano a una qualche forma di conoscenza attraverso i segni, facendo riferimento in maniera diretta alla radice greca della parola àisthesis e del verbo relativo aisthànomai (αἰσθάνομαι), muovendomi, quindi, nel territorio della pura “sensazione”. Per mezzo di queste “esperienze” voglio indurre il pubblico al sacro vincolo della “contemplazione”.

Come ti poni nei confronti dell’arte del passato e ci sono artisti che hanno ispirato la tua produzione artistica?
Come uno che viene dopo. Con le gambe ben piantate dentro l’oceano di immagini che mi hanno preceduto, ma con gli occhi nuovi di zecca per guardare attentamente ciò che ho di fronte, adesso.
I nomi dei singoli artisti non mi interessano. Mi interessano più i loro “deliri”, gli “errori”, gli obiettivi raggiunti o le conseguenze che incrocio nelle loro opere, o che le loro opere hanno interiorizzato e portano inglobati nel loro DNA. Mi interessano le utopie o le distopìe che pervadono i loro sforzi. Le frecce che scagliano nel territorio del “mai visto”. Mi interessa il filo di Arianna di tematiche o di ossessioni che si dipana nelle epoche, con salti temporali a volte vertiginosi, e che lega il lavoro di artisti differenti tra loro. Cerco le tracce del senso del sublime tra molti autori che hanno toccato questo universo e inseguo le ricerche di altri sul concetto di “tempo”, fisico o immateriale che sia. Mi chiedo: cosa succede quando un oggetto, in quanto “cosa reale” viene trascinato nel campo della sua rappresentazione?… E cerco forme alternative di descrizione dell’umano.

Cosa pensi del sistema dell’arte contemporanea del nostro Paese e in che modo ritieni che un artista possa emergere?
Non ho la più pallida idea di come un artista possa emergere. Le prime reazioni che si pongono alla mia attenzione di fronte alla vostra domanda sono una serie di altre domande: che tipo di notorietà? A che livello e in che ambito questo ipotetico artista si vuole muovere e che traguardi ha in mente? Esistono diverse tipologie di successo, o di insuccesso, che si agitano sul proscenio dell’arte. Mi viene in mente una notorietà di Warholiana memoria, quella che dura un quarto d’ora, che mi sembra stia andando per la maggiore nel sottobosco del sistema italiano; forse non proprio un quarto d’ora, ma un paio di stagioni sì. Poi la notorietà del decennio, che è sottoposta ai sali-scendi dei gusti che muoiono o che tornano alla ribalta con la trasformazione delle mode culturali. Ho conosciuto artisti, negli anni novanta, che avevano un lavoro di alto profilo e che venivano considerati delle solide realtà dell’arte italiana, gente che magari si è fatta la Biennale di Venezia un paio di volte. Oggi, se mi capita di fare i loro nomi ad un giovane artista spesso ottengo un sorriso ironico o uno sguardo vuoto, come se stessi raccontando storie di fantasmi. Esiste anche la notorietà dei ripescaggi storici, di gente che ha avuto una carriera frustrante e tutta in salita nel corso della vita e poi, due giorni dopo la loro morte, ecco, tutti a dire che quello che ha fatto Tizio ha precorso i tempi, che Caio è stato testimone importante di un’epoca, che loro c’erano e lo hanno notato e sostenuto per primi….. Non lo so. Mi sembra tutto così confuso. A conti fatti, credo che rimanere in stretto contatto con la propria “ossessione” e ascoltarla attentamente sia un buon punto di partenza. E poi, per i giovani artisti esistono sempre quei workshop in cui insegnano come farsi notare e come relazionarsi con il sistema, no?! Io so solo che, a cicli, si finisce tutti per correre a Venezia o a Firenze per vedere l’ultima grande mostra di Damien Hirst e di Bill Viola, o perché no, all’Hamburger Bahnhof per guardarsi, in silenzio, i lavori di Kiefer. In fondo sognare non costa niente, finché il sogno non diventa realtà…

A cosa stai lavorando ora e quali sono i tuoi progetti futuri?
In questi mesi, oltre alla quotidiana progettazione e produzione dei nuovi lavori delle serie in corso, sto lavorando a progetti che introducono un salto linguistico rispetto a ciò che ho fatto finora. Si tratta di sculture, installazioni e video-installazioni con un’impronta concettuale più marcata. Sono progetti che hanno fatto la spola tra un cassetto e l’altro negli anni, finché l’evoluzione e le novità introdotte dalle mie pseudo-fotografie non hanno reso attuali e pertinenti proprio questo tipo di intuizioni. Tra l’autunno e la fine dell’anno saranno inaugurate 2 mostre di un certo respiro, e avranno tempi quasi coincidenti: la prima, che si terrà nelle due sedi dei Musei Civici di Alessandria, Palazzo Cuttica e le Sale d’Arte, avrà la collaborazione di Arteam ed è la conseguenza del premio speciale vinto proprio all’Arteam Cup nel 2015. La seconda, invece, si terrà alla Sinagoga di Reggio Emilia. Il main-project delle due mostre è una grande video-installazione dal titolo Millennial Tears, che da un lato prosegue e intensifica la mia “ossessione” per il paesaggio glaciale e artico, mentre dall’altro si pone come omaggio alla cultura ebraica e alle comunità ebraiche in generale. Da qui la scelta della Sinagoga come seconda sede espositiva. La mostra di Alessandria vedrà la curatela di Matteo Galbiati ed inaugurerà il 25 novembre prossimo, mentre una settimana dopo, il 2 Dicembre, prenderà il via quella di Reggio Emilia e sarà curata da Chiara Serri.

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In che modo e da che cosa trovi ispirazione per realizzare le tue opere?
Non voglio sembrare presuntuoso, ma da sempre lavoro con assoluta autonomia, per me assolutamente un punto di forza, quindi per rispondere alla domanda devo dire che non prendo ispirazione da nulla. Certo, sono un osservatore attento, molto curioso e non mi accontento di vedere le cose, cerco di approfondire ciò che mi interessa per poter avere una mia opinione. Quindi, ovviamente, da qualche parte vado a pescare. Le cose che vedo che mi fanno scattare un’ idea, o meglio, un’intuizione su cui lavorare. Spesso lavoro per produrre qualcosa che non sia banale e improvvisato, il mio approccio è sicuramente molto scientifico e mentale, non istintivo.

Quali sono i generi e i modi espressivi che prediligi?
Da scultore, preferisco opere in cui il linguaggio scultoreo è ben presente, non amo affatto quelle prodotte con il “copy, cut and paste”, salvo non sia strettamente necessario. Il mio modo di lavorare, in linea di massima, è per cicli, ogni ciclo scaturisce da un’idea, da un’intuizione o da una visione che poi vado a sviluppare; in prima battuta preferisco utilizzare il linguaggio della scultura, ma se il tipo di lavoro richiede altre tecniche e mi permette di essere ancora più incisivo, non ho dubbi sul fatto che prima di tutto vinca la riuscita dell’opera e non la tecnica utilizzata. In un certo senso devo, quindi, correggermi: ho iniziato dicendo “da scultore”, ma ora devo dire che fondamentale, prima di tutto, è essere artista.

Qual è il messaggio che vuoi trasmettere al pubblico tramite le tue opere?
Più che un messaggio, cerco di trasmettere una visione, penso costantemente a forme, mondi o situazioni che possano essere ai limiti del reale, primo perché mi piace essere il più possibile creativo – e non un semplice intellettuale – per poter spingere il più possibile la mia mente a trovare strade nuove, a non accontentarmi del primo risultato trovato, ma elaborare finché l’idea iniziale trasporti lo spettatore, e in primis me stesso, in una realtà sconosciuta, ma allo stesso tempo comprensibile anche senza filtri e spiegazioni. Sperimento con i materiali, le forme e le idee, la fase di lavoro che mi rende più elettrico e soddisfatto è quella iniziale, quando il pensiero e l’elaborazione dell’idea prende forma con schizzi e bozzetti tridimensionali. La fine del divertimento per me è proprio quando arriva il momento di realizzare quella che ritengo l’opera finita, così come la potranno vedere tutti.

Come ti poni nei confronti dell’arte del passato e ci sono artisti che hanno ispirato la tua produzione artistica?
Tra le mie grandi passioni c’è anche quella per l’antiquariato, pittura, scultura e arti decorative del passato e se c’è qualcosa che l’antico può insegnare è sicuramente nella ricerca della qualità e della bellezza, lezione che cerco sempre di applicare nel mio modo di fare arte. Per quanto riguarda il fatto di ispirarmi o meno ad artisti del passato devo ribadire il concetto, quello di cercare di lavorare in assoluta autonomia e per essere ancora più esaustivo, posso dire che conoscendo ciò che è già stato fatto, cerco di allontanarmi per trovare soluzioni nuove e inconsuete. Conoscere è fondamentale e più si sa meglio è, ma nel mio caso, anziché prendere di qua e di là, cerco di evitare di rifare cose già viste.

Cosa pensi del sistema dell’arte contemporanea del nostro Paese e in che modo ritieni che un artista possa emergere?
La domanda più spinosa, perché penso che in Italia la meritocrazia non si sappia neanche lontanamente cosa sia, soprattutto nel sistema dell’arte contemporanea, se non in rarissimi casi. Vedo artisti mediocri crescere e artisti validi lasciati a macerare con le loro idee. È l’eccezione che conferma la regola trovare un buon artista che segua un percorso di crescita sana, spesso le capacità extra artistiche, amicizie e varie influenze, aiutano molto più del talento. Poi non dimentichiamo che in Italia tutti sanno fare tutto, quindi mi rendo conto che spesso per farsi sentire bisogna gridare più forte degli altri, cosa che personalmente non faccio. Poi c’è anche da dire che le gallerie valide sono poche e oltre un certo numero organico non possono prendersi cura di tanti artisti, è fisiologico che molti artisti, anche bravi, rimangano fuori dal giro dello star system. Il consiglio che darei ad un giovane artista è quello di lavorare con serietà e non guardare ad un successo immediato, un lavoro fatto con criterio viene apprezzato a distanza di tempo e ogni singola opera è fondamentale a creare il corpus di opere che caratterizzano l’artista e daranno forza per una seria storicizzazione. Poi se si ha qualche asso nella manica….

A cosa stai lavorando ora e quali sono i tuoi progetti futuri?
Sto lavorando ad un nuovo ciclo, molto diverso da ciò che si conosce della mia produzione, ma avendo tantissimi progetti nel cassetto, cerco di inserirne di nuovi, per portare alla luce sfaccettature del mio modo di pensare e di essere artista. Poi c’è l’urgenza di realizzare opere che altrimenti rimarrebbero bozzetti, mentre credo valga la pena di farle conoscere. Si tratta prevalentemente di sculture, alcune in resina, altre in marmo e credo che per altre ancora userò l’alluminio, ma è un progetto in divenire, quindi utilizzerò ogni tecnica e materiale che mi darà maggior garanzia di riuscita.
I progetti futuri sono tanti, ma più che altro mi pongo degli obiettivi, adesso prioritario è lavorare in modo serio e continuativo con almeno un paio di gallerie di livello internazionale, altrimenti tanto lavoro e spremersi le meningi per poi raccogliere poco o niente… Comunque fondamentale è la ricerca continua e… non mollare mai!